Tầng 11, Tòa nhà Internet, 136 Nguyễn Phong Sắc, Dịch Vọng, Cầu Giấy, Hà Nội

10 bộ phim hay nhất 2020

Top 10 | 10/03/2021, 10:17 PM

Đó chắc chắn không phải là một năm điển hình đối với bất cứ thứ gì, kể cả phim. Khi Hollywood thu dọn hàng loạt cửa hàng và đẩy mạnh nhiều dự án của họ đến năm 2021 hoặc các dịch vụ phát trực tuyến, các câu hỏi đặt ra về cách đánh giá phê bình một thời điểm bất thường như vậy đối với điện ảnh. Một số nhóm như Viện hàn lâm đã đẩy lùi giải thưởng của họ để tạo ra một khoảng thời gian dài hơn cho việc đưa vào trong khi một số nhà văn than thở về sự thiếu chất lượng tổng thể. Họ chỉ nhìn không đủ khó. Cuối cùng, đó là một năm rất vững chắc về hình thức, và việc thiếu phim bom tấn chỉ cho phép có thêm chỗ để đánh giá những bộ phim có thể đã lọt vào tầm ngắm. Hãy chỉ nói rằng không khó để tìm ra 20 bộ phim mà chúng tôi cảm thấy tiêu biểu cho chất lượng của năm 2020. Và những bộ phim tuyệt vời thậm chí không bị cắt. Mỗi một trong số 20 bộ phim dưới đây sẽ đứng vững trước thử thách của thời gian, những tác phẩm nghệ thuật quan trọng vẫn còn sót lại ngay cả sau khi kết thúc năm kinh hoàng này đang ở phía sau chúng ta. Nghệ thuật bền bỉ.

Về bảng xếp hạng: Chúng tôi đã yêu cầu các nhà phê bình và biên tập phim thông thường của mình gửi mười danh sách hàng đầu, được xếp hạng hoặc không được xếp hạng, sau đó hợp nhất chúng với một hệ thống điểm dẫn đến danh sách bên dưới, với một mục mới cho mỗi bộ phim được trao giải.

10. “ Trợ lý ”

“The Assistant” đáng chú ý của Kitty Green nói về #MeToo và Harvey Weinstein mà không nói rõ ràng về những điều đó. Thay vào đó, bộ phim yên tĩnh diễn ra trong ngày này phá vỡ nhiều cách mà nhân viên buộc phải dung thứ cho hành vi xấu. Trong phim, Jane ( Julia Garner ) là một phụ nữ chăm chỉ đi bộ vào văn phòng mỗi sáng từ Queens khi trời còn tối. Nhưng hôm nay, một cái gì đó đã tắt. Cô ấy tìm thấy một chiếc bông tai trong văn phòng của sếp. Một người phụ nữ mà cô ấy chưa từng thấy bao giờ dừng lại để nhặt nó. Một phụ nữ trẻ từ Idaho bay đến để tìm một công việc thích của cô ấy và công ty đưa cô ấy vào một khách sạn sang trọng. Khi sếp của cô ấy biến mất, tất cả đồng nghiệp của cô ấy dường như đều biết anh ấy đã đi đâu. Cuối cùng, khi Jane lấy hết can đảm để báo cáo anh với một đại diện nhân sự (Matthew Macfadyen đang lạnh sống lưng), anh ta đã gạt đi những lo lắng của cô và cảnh báo rằng bản báo cáo của cô có thể kết thúc sự nghiệp của cô. Khi Jane rưng rưng nước mắt chuẩn bị rời đi, anh bảo cô đừng lo lắng: "Em không phải là mẫu người của anh ấy."

“Trợ lý” khám phá một cách tâm lý tất cả những cách mà ai đó cố gắng làm điều đúng đắn gặp phải sự phản kháng. Ông chủ của cô ấy quát mắng cô ấy và sỉ nhục cô ấy để viết cho anh ta một lời xin lỗi cho mọi cái gọi là sai lầm, khiến ý chí của cô ấy không được bảo vệ bản thân. Những người khác trong văn phòng biết những gì đang xảy ra, nhưng ít nhiều dẫn dụ bằng cách nhìn theo hướng khác. Jane lẽ ra phải cảm thấy nhẹ nhõm vì cô ấy không bị quấy rối tình dục, nhưng những người phụ nữ khác thì sao? Hay giám đốc điều hành tiếp theo mà cô ấy làm việc? Phim của Green, do cô viết kịch bản và đạo diễn, không chỉ hoạt động trong bối cảnh của một công ty sản xuất mà còn ở hầu hết mọi nơi làm việc độc hại nhằm khuyến khích nhân viên của mình bỏ qua sự lạm dụng và không cung cấp cho họ công cụ nào để ngăn chặn nó. ( Monica Castillo )


9. "Tổ"

Có những cảnh trong bộ phim hôn nhân “The Nest” của Sean Durkin rất thô và thực, rất cụ thể và sống động, bạn có thể cảm thấy cần phải xem chúng qua những ngón tay xòe ra. Với tư cách là biên kịch và đạo diễn, anh ấy tạo ra cảm giác như bạn đang lạc vào một không gian thân mật, nơi bạn không thuộc về, chứng kiến cảnh vợ chồng xé xác nhau với những phẫn uất sâu sắc và những câu nói cường điệu. Thật khó chịu - nhưng bạn không thể nhìn đi chỗ khác, bởi vì cuộc đối thoại quá hấp dẫn và màn trình diễn của Jude Law và Carrie Coon quá tinh tế.

Chín năm sau bộ phim đầu tay “Martha Marcy May Marlene” (bộ phim tôi chọn cho bộ phim hay nhất năm 2011), Durkin một lần nữa khám phá các chủ đề tìm kiếm và phấn đấu, tái tạo bản thân thành một nhân vật lý tưởng với những hậu quả nguy hiểm. Giáo phái mà Rory O'Hara của Law tham gia là chủ nghĩa tư bản, nhưng vì đó là thời đại tiêu dùng dễ thấy của Reagan và Thatcher, nên khao khát của anh ta là không thể tránh khỏi. Tuy nhiên, Durkin không bao giờ nói ra khái niệm đó. Thay vào đó, đó là một phần của bầu không khí phong phú mà anh ấy tạo ra, khi Rory, Coon's Allison và hai đứa con của họ chuyển từ ngoại ô New York đến Anh để theo đuổi sự giàu có khó nắm bắt. Rory đã sống như thể anh ấy đã làm nên điều đó, nhưng anh ấy hối hả và say mê, dựa vào vẻ ngoài và sự quyến rũ của mình để đưa anh ấy vào cửa tại các công ty đầu tư uy tín và rõ ràng rằng chiếc dây buộc anh ấy đang đi sẽ mắc kẹt dưới chân anh ấy bất cứ lúc nào. Trong khi anh ta khăng khăng muốn chuyển gia đình của mình đến một trang viên rộng lớn mà họ không thể mua được, cảm giác sợ hãi về sự ngột ngạt xây dựng là không thể tránh khỏi.

Trong vòng cháy chậm này, Law và Coon đã mang đến những màn trình diễn xuất sắc nhất sự nghiệp. Đây là vai diễn mà Law đã nỗ lực cả đời, thể hiện cả vẻ đẹp như chàng trai vàng và thần thái độc ác của anh ấy. Và Coon chỉ là một kẻ hạ gục với tư cách là người vợ chán chường của Law. Cô ấy có phẩm chất giống như một con tắc kè hoa với tư cách là một diễn viên, nhưng dù ở vai trò nào, cô ấy cũng toát lên sự bộc trực. Cô ấy luôn cho bạn một sự thật đích thực. Và cuối cùng khi cô ấy chụp được, cô ấy rất hung dữ.

“The Nest” gợi lên bối cảnh những năm 1980 của nó theo những cách đầy cảm hứng, từ những lựa chọn thiết kế sản xuất và tủ quần áo bất ngờ cho đến một bản nhạc phim đa dạng của các bản hit khác nhau, từ The Cure đến Bronski Beat đến Al Jarreau. Nhưng trong khi các chi tiết cụ thể về thời kỳ, câu chuyện về dục vọng và sự lừa dối là vượt thời gian. ( Christy Lemire )


8. “Không bao giờ Hiếm khi Đôi khi Luôn luôn”

Tiêu đề là danh sách các câu trả lời có thể có cho một loạt các câu hỏi nhạy cảm mà một nhân viên xã hội hỏi một thiếu niên đang mang thai muốn phá thai. Nhân viên xã hội ngoài đời thực Kelly Chapman, người đã hỗ trợ biên kịch / đạo diễn Eliza Hittman nghiên cứu bộ phim, nhẹ nhàng hỏi Autumn (diễn viên mới Sidney Flanigan ) về việc lạm dụng và đồng ý, trong trường hợp cần phải có một kế hoạch an toàn sau quy trình. Khi cô ấy cố gắng chọn phương án phù hợp để trả lời mỗi câu hỏi, chúng tôi thấy hàng tá ký ức và cảm xúc lướt qua khuôn mặt cô ấy. Đó là một trong những cảnh khó quên nhất của năm. Chúng tôi không bao giờ tìm ra ai chịu trách nhiệm cho việc mang thai của Autumn hoặc hoàn cảnh ra sao, nhưng câu trả lời của cô ấy cho những câu hỏi về việc liệu cô ấy có đồng ý quan hệ tình dục hay không thì không phải "luôn luôn".

Autumn và em họ Skylar ( Talia Ryder ) bắt xe buýt từ Pennsylvania đến New York vì đó là cách duy nhất mà Autumn có thể phá thai mà không bị mẹ và cha dượng phát hiện ra. Trong một cuộc phỏng vấn , Hittman nói với tôi rằng cô ấy muốn "kể lại câu chuyện" về quyền sinh sản với góc nhìn của một người phụ nữ. Cô ấy kể câu chuyện với sự dịu dàng tuyệt vời, bảo vệ hai cô gái nhiều hơn những nhân vật khác. Giọng văn tài liệu, thân mật của Hittman làm sáng tỏ tính dễ bị tổn thương của các cô gái, lòng quyết tâm và sự kiên cường của họ. ( Nell Minow )


7. "Beanpole"

Tác phẩm thời kỳ của Kantemir Balagov kể về hai phụ nữ Nga vượt qua đống đổ nát của Thế chiến thứ hai và chấn thương liên quan của họ cũng khiến họ trầm cảm như kể chuyện xảy ra vào năm 2020. Chỉ riêng bi kịch lớn đầu tiên của nó, liên quan đến cái chết của một đứa trẻ, có thể là quá nhiều cho một số để chịu. Và đó chỉ là phần mở đầu của một câu chuyện mà cảm giác như nó đang liên tục tự xoay sở, sử dụng vòng cung của hai người bạn thân nhất để ghi lại cách cả một đất nước chữa lành sau vết thương chiến tranh, trong khi cảm giác như họ đang chìm vào cát lún. Đây là một bộ phim tuyệt vời hoạt động ở nhiều cấp độ — một nghiên cứu nhân vật đồng cảm sâu sắc với hai màn trình diễn ngoạn mục và cũng là một nghiên cứu về lịch sử Nga được thực hiện bằng một số kỹ xảo ấn tượng nhất trong năm.

Viktoria Miroshnichenko và Vasilisa Perelygina theo chủ nghĩa tự nhiên tuyệt đẹp —bà những người mới đến nên có sự nghiệp lâu dài — đóng vai Iya và Masha, hai người sống sót rất khác nhau. Iya bị tổn thương sâu sắc - cả về thể chất và tinh thần - dẫn đến những sự kiện mà cô ấy dường như chỉ đơn giản là đóng băng, mất trí nhớ khủng khiếp. Những vết thương của Masha được tiết lộ qua câu chuyện, nhưng cựu binh sĩ Nga này sẽ làm bất cứ điều gì cần thiết để đạt được điều cô ấy muốn. Diễn ra phần lớn tại một bệnh viện nơi hai người phụ nữ làm việc, "Beanpole" kể về hai người phụ nữ cố gắng xây dựng lại thứ gì đó từ đống đổ nát của Leningrad và cuộc đời của họ. Đó là bằng chứng nữa cho thấy điện ảnh là một lực lượng đoàn kết, tìm ra cảm xúc và tính nhân văn liên quan giữa các nền văn hóa và thời đại. Thật không thể nào quên. ( Brian Tallerico )


6. "Minari"

Không có một triệu câu chuyện khác nhau được kể. Hầu hết các câu chuyện, ngay cả những câu chuyện cá nhân, chứa các yếu tố quen thuộc hoặc đến từ các nguồn tương tự. Nhưng có những thấu kính khác nhau để xem những thấu kính quen thuộc, những thấu kính này mở rộng và biến đổi bộ nhớ và / hoặc trải nghiệm chung "được chia sẻ" của chúng ta. Ví dụ, câu chuyện về NASA, được kể trong vô số bộ phim và phim tài liệu, đã không đầy đủ cho đến khi "những nhân vật ẩn" của các nhà toán học và kỹ sư người Mỹ gốc Phi được tiết lộ. Và vì vậy ống kính trở nên rộng hơn. Câu chuyện không giảm đi mức độ liên quan mà còn mở rộng ra vì có nhiều người hơn được đưa vào. "Minari" của Lee Isaac Chung , dựa trên thời thơ ấu của chính anh ở Arkansas, là loại phim này.

“Minari” là một câu chuyện về người nhập cư quen thuộc, và một câu chuyện quen thuộc của người Mỹ, với ước mơ sở hữu đất, làm việc trên đất, làm ông chủ của chính bạn. Jacob ( Steven Yeun ) và Monica (Yeri Han), những người nhập cư Hàn Quốc, đã có một lựa chọn táo bạo là rời bỏ công việc chăn gà ở California, để chuyển đến Arkansas cùng hai đứa con nhỏ của họ, theo đuổi ước mơ của Jacob là thành lập một trang trại nhỏ. Jacob say sưa với bụi bẩn, mồ hôi, hình ảnh của những mùa màng sắp tới. Monica ghét tất cả những điều đó, và những đứa trẻ nhìn vào, sợ hãi khi cuộc hôn nhân của cha mẹ chúng tan rã. Mẹ của Monica ở với họ càng thêm căng thẳng trong tổ ấm nhỏ. Bà là một dây dẫn trực tiếp, và màn trình diễn tuyệt vời của Yuh-Jung Youn là chìa khóa cho tác động của "Minari" (cũng như lý do đằng sau tiêu đề của nó).

"Minari" nắm bắt nhịp điệu của cuộc sống nông trại, đồng thời dành sự chú ý vào các chi tiết cụ thể của động thái gia đình, cuộc hôn nhân rạn nứt của Jacob và Monica, mối quan hệ của bà với cậu bé 6 tuổi David và mối quan hệ của gia đình với thị trấn nông thôn nơi họ hiện đang sống. Chung quy lại mọi thứ một cách tỉ mỉ nên những phần thưởng khi đến không chỉ là sự thật mà còn mang sức nặng và cảm xúc rất lớn. Đây là cách làm phim cổ điển, theo nghĩa tốt nhất và chân thực nhất của từ này.

Khi nói về Marilyn Monroe , nhiếp ảnh gia Henri Cartier Bresson nhận xét: "Cô ấy là người Mỹ và rất rõ ràng rằng cô ấy là người - cô ấy rất tốt theo cách đó - người ta phải rất địa phương để trở nên phổ biến." Đây là những gì Chung thực hiện được. “Minari” mô tả một trải nghiệm rất cụ thể, một trải nghiệm rất “địa phương” và bằng cách đó đã tạo nên một bộ phim lung linh với những sự thật phổ quát về tuổi thơ, gia đình, sự chết, sự thuộc về, ước mơ và hy vọng. ( Sheila O'Malley )


5. "Da 5 Bloods"

Trong linh hồn của nó, "Da 5 Bloods" của Spike Lee kể về bốn người lính Mỹ da đen trở về Việt Nam để đòi lại xương máu và trí tuệ của người đã dìu dắt họ qua chiến tranh. Stormin 'Norman, được diễn xuất với vẻ uy nghiêm thánh thiện trong hồi tưởng của cố Chadwick Boseman , là tiếng nói thống trị của sự khôn ngoan như vậy trong bài học lịch sử trực diện của Lee về cách nước Mỹ chưa bao giờ vĩ đại. Và nó không bao giờ có thể tuyệt vời, nếu nó đối xử với mọi người như những gì nó đã làm và đã làm. Trong những đoạn độc thoại mạnh mẽ của mình, Norman nhắc nhở các đồng đội của mình trong Bloods về cách nước Mỹ được xây dựng dựa trên sự hy sinh của những xác người Da đen, giống như của Crispus Attucks, người đàn ông đầu tiên bị giết trong Chiến tranh Cách mạng Mỹ. Và khi 5 Bloods biết về vụ ám sát Martin Luther King Jr., Norman là người chỉ đạo họ khỏi bị trả thù. “Chúng tôi kiểm soát cơn thịnh nộ của mình,” anh đảm bảo với họ. "Họ không thể sử dụng cơn thịnh nộ của chúng tôi để chống lại chúng tôi."

Quá khứ hiện diện trong thế giới của “Da 5 Bloods”, bộ phim về Chiến tranh Việt Nam của Lee tôn vinh PTSD mà cuộc chiến đã gây ra cho người bản xứ và những người lính đã tham quan. Đó là một cuộc phiêu lưu sống động, đa diện và nhiều cảm xúc, bắt đầu với bốn người bạn cựu chiến binh đoàn tụ cùng tham gia vào một câu lạc bộ có tên “Apocalypse Now” (thậm chí sử dụng logo từ sử thi Chiến tranh Việt Nam của Francis Ford Coppola). Những người hùng phức tạp của chúng ta (do Delroy Lindo , Clarke Peters , Norm Lewis và Isiah Whitlock, Jr. thủ vai) trải nghiệm đất nước qua nỗi đau của người dân Việt Nam, và “Da 5 Bloods” loại bỏ rõ ràng chủ nghĩa jingo khỏi cuộc đối thoại về lịch sử nước Mỹ. Song song với sự bi thương của bộ phim về việc cuộc chiến tranh của Mỹ chưa bao giờ thực sự kết thúc ở Việt Nam cũng là bối cảnh nước Mỹ sử dụng những người da đen cho chiến tranh trong khi không hỗ trợ họ ở quê nhà; Dòng máu là một phần của thế hệ được gửi đến để chết cho một đất nước mà sau đó đã giết chết những người lãnh đạo vì tự do của họ. (Kịch bản được đồng viết bởi Lee và Kevin Wilmott, người đã viết lại một kịch bản của Paul DeMeo và Danny Bilson để tập trung vào những người lính Da đen.)

Cùng với hài cốt của Norman, những cựu chiến binh này cũng đang tìm kiếm số vàng mà họ đã chôn trong chiến tranh, điều mà Norman luôn nói rằng nên đi về phía giải phóng Da đen. Mọi người đều muốn chia sẻ của họ, nhưng một số người Mỹ muốn trở thành, như Paul đã nói, "người mẹ ** ker." Paul "tin vào Norman như một tôn giáo," theo các đồng đội của mình, nhưng đã trở nên tức giận với thế giới và ghẻ lạnh với con trai David ( Jonathan Majors ), người tham gia cùng bốn Blood trong cuộc truy tìm kho báu của họ. Paul là hiện thân của một loại MAGA điên rồ, đội chiếc mũ lưỡi trai màu đỏ “Làm cho nước Mỹ vĩ đại trở lại” trong suốt bộ phim như một lời tuyên bố khiêu khích và như một sự đánh lạc hướng khỏi cảm giác bất lực của anh ta. Các sự kiện xoắn của câu chuyện đưa Paul ướt đẫm mồ hôi vào sâu hơn trong rừng và tìm hiểu lý do đằng sau sự tức giận của anh ta, được Lindo thể hiện trong những đoạn độc thoại cận cảnh, phá vỡ bức tường thứ tư về nỗi thống khổ đáng sợ và nỗi cô đơn khó chịu.

"Da 5 Bloods" sẽ luôn có một ý nghĩa đặc biệt khi được phát hành vào mùa hè, nơi Black Lives Matter nhận được độ phủ sóng toàn quốc lớn nhất từ trước đến nay, một phần được lấy cảm hứng từ vụ giết hại George Floyd và những người khác dưới bàn tay bẩn thỉu của chính sách áp bức phân biệt đối xử. Bộ phim của Lee có nhiều gương mặt của một nhóm Black Lives Matter, và cho thấy sức mạnh của họ; một số người suy đoán rằng cảnh quay đã được thêm vào để kịp thời, nhưng Lee xác nhận đây là cảnh đầu tiên họ quay , như thể đó là cảnh anh ấy tham gia "Da 5 Bloods". Lee không bao giờ quên lịch sử, nhưng ông vẫn có một niềm tin tiếp thêm sinh lực, đầy cảm hứng vào những gì nước Mỹ có thể là. ( Nick Allen )


4. "Con bò đầu tiên"

“First Cow” mở ra trong thế giới ngày nay, và một khám phá vừa đáng lo ngại vừa thu hút một số quan tâm khảo cổ học / xã hội học. Câu chuyện sau đó được quay ngược trở lại quá khứ, và cuối cùng người xem nhận ra rằng khám phá cũng là một chiến lợi phẩm khổng lồ, và ước gì nó không phải như vậy.

Kiểu kể chuyện thủ công như thế này không phải là thông lệ đối với Kelly Reichardt , người đã đạo diễn "First Cow" từ kịch bản cô viết cùng Jonathan Raymond , phỏng theo cuốn tiểu thuyết The Half Life của ông . Nhưng nó phục vụ tốt cho tầm nhìn của cô ấy về nước Mỹ như một vùng đất vừa khám phá vừa đáng sợ. Vào năm 1820, Oregon, nơi kết thúc của nhiều người lính biên phòng, một đầu bếp người Do Thái và một người đàn ông Trung Quốc - được John Magaro và Orion Lee thể hiện một cách xuất sắc - thương lượng tình trạng tương ứng của họ như những người bị ruồng bỏ bằng cách hợp tác và cùng nhau kinh doanh, pha chế món chiên bánh bột lọc kích thích vị giác của những kẻ đánh bẫy đói. Các doanh nhân tình cờ có nguyện vọng di chuyển về phía nam, đến San Francisco, và mở một cửa hàng kinh doanh. Trong khi chờ đợi, họ tìm thấy nguồn thực phẩm trong công ty của nhau, và trong việc tinh chỉnh công thức nấu ăn của họ. Vấn đề duy nhất là nguồn sữa của họ, thứ không thuộc về họ.

“First Cow” có nhịp độ nhàn nhã, giúp bạn làm quen và thường xuyên cười với các nhân vật trung tâm của nó. Nếu những phút mở đầu của bộ phim nhắc nhở chúng ta rằng, như bài hát blues nói, cái chết không có lòng thương xót, thì cái kết thúc nhắc nhở chúng ta rằng lịch sử cũng không. Nhưng những gì ở giữa cho chúng ta thấy lòng tin, tình bạn, sự nhanh trí, tình yêu và một chút sữa trộm có thể làm gì để mang lại sự thoải mái giữa sự khắc nghiệt. ( Glenn Kenny )


3. “American Utopia của David Byrne”

"American Utopia" cho thấy điều gì sẽ xảy ra khi hai gã khổng lồ văn hóa đại chúng đứng đầu trong các trò chơi tương ứng của họ cuối cùng hợp tác, mang lại trải nghiệm trọn đời và coi tình yêu chung của họ là biểu diễn trực tiếp như một ngôn ngữ chung. Ngôi sao, nhà soạn nhạc và người khởi xướng "American Utopia" là David Byrne, người hiện đã xuất sắc xuất hiện trong hai trong số những bộ phim hòa nhạc hay nhất từng được thực hiện, bộ phim còn lại là "Stop Making Sense" năm 1984 của Jonathan Demme. Đạo diễn là Spike Lee, người có đầu ra là một nhà làm phim viễn tưởng đã chính thức đổi mới và tham gia vào chính trị đến nỗi mọi người có xu hướng quên rằng anh ấy luôn đảm bảo khi chuyển thể các tác phẩm sân khấu (bao gồm "Freak", "A Huey P. Newton Story," "Passing Strange" và "Rodney King").

Kết hợp một cách hào phóng các bài hát mới, các tiêu đề và bản cover được yêu thích, bộ phim của Byrne và Lee là sự tôn vinh kết nối cá nhân và cộng đồng, phản ánh cấu trúc của "Stop Making Sense" (tương tự như vậy bắt đầu bằng việc Byrne biểu diễn solo, sau đó thêm các nghệ sĩ chơi nhạc cụ và sao lưu ca sĩ cho đến khi sân khấu được lấp đầy) trong khi thiết lập thẩm mỹ của riêng mình, rất Spike-Lee. Các chủ đề và tinh thần hào phóng của nó đã vô tình biến nó trở thành liều thuốc giải độc hoàn hảo cho, hoặc lối thoát ảo, cảm giác cô lập mãnh liệt đã đeo bám mọi người trên khắp thế giới trong suốt năm đầu tiên của đại dịch COVID.

Nhưng vẻ đẹp tuyệt đối của âm nhạc, vũ đạo và hình ảnh đã mang lại cho "American Utopia" một tiếng vang sẽ tồn tại lâu hơn thời điểm lịch sử đã đóng khung nó. Quay bằng nhiều máy ảnh (và hợp tác chặt chẽ với nhà quay phim Ellen Kuras và biên đạo múa ban đầu của chương trình, Annie-B Parson ), Lee đảm bảo rằng một hình ảnh đơn giản, mạnh mẽ, độc lập và tuyệt đẹp sẽ xuất hiện sau mỗi lần cắt mới, cho dù đó là cận cảnh của một cây đàn guitar bị gảy; một cảnh quay từ trên cao của những người biểu diễn đang di chuyển theo đội hình hoặc chơi trò chơi điện tử trên sàn sân khấu; hoặc cận cảnh khuôn mặt băn khoăn của Byrne. Đây là loại hình làm phim thuần túy nhất và là loại hình nghệ thuật thuần túy nhất. ( Matt Zoller Seitz )


2. "Nomadland"

“Vùng đất du mục” của Chloe Zhao mở ra như một chuỗi quan sát có nhịp độ có chủ ý. Khi máy quay uống vào khung cảnh tuyệt đẹp, đôi khi phô trương của bên ngoài, Zhao cho phép chúng ta thăm viếng những nhân vật sống trong góc nhỏ này của vũ trụ một cách hờ hững. Chúng tôi ngồi với họ, nghe ước mơ và mối quan tâm của họ, cảm nhận niềm vui và nỗi thất vọng của họ, và tìm hiểu cách họ đối phó với những vất vả hàng ngày trong lối sống trên đường của họ. Những điều này được trình bày một cách thực tế, không có bất kỳ hình ảnh đẹp đẽ hoặc quá kịch tính nào về các sự kiện. Nhân vật trung tâm của chúng ta là Fern ( Frances McDormand ), một góa phụ có chồng và quê hương của Empire, Nevada đều đã bị bắt đi khỏi cô ấy trong vòng sáu tháng. Empire đã biến mất theo đúng nghĩa đen sau khi nhà máy thạch cao đóng cửa và cư dân rời đến những đồng cỏ xanh tươi hơn.

Đối với Fern, những đồng cỏ đó liên quan đến cuộc sống bên ngoài Trong xe tải của cô, lái xe từ nơi này đến nơi khác trong khi làm công việc thời vụ để kiếm sống. Cô ấy tương tác với các cộng đồng tạm thời gồm những nhân viên khác mọc lên khi những nơi như Amazon đang tuyển dụng. Những người mà Fern gặp được đóng bởi một số người không phải là diễn viên, những người thực sự đang sống cuộc sống mà “Nomadland” khám phá. Chúng mang lại chất lượng tuyệt đẹp, sống động và đôi khi mang tính thần thoại cho bộ phim. Những cuộc thảo luận của họ về hy vọng sống đủ lâu để hoàn thành số phận cá nhân của họ để lại dư âm ám ảnh rất lâu sau khi các khoản tín dụng được tung ra. Những người này ở lại với bạn, giống như những người bạn đã bước tiếp nhưng vẫn còn đọng lại trong ký ức của chúng ta. Zhao khôn ngoan từ chối đưa ra phán quyết hoặc thậm chí giải thích động cơ của các nhân vật của cô ấy, thay vào đó buộc chúng tôi xử lý chúng thông qua bộ lọc cá nhân của riêng mình.

Trung tâm của bộ phim tuyệt vời này là McDormand, với một trong những màn trình diễn xuất sắc nhất trong sự nghiệp của cô. Cô ấy chìm sâu vào vai diễn, thực tế trở thành một khám phá mới như những người không phải diễn viên mà cô ấy đáng tin cậy nhường ánh đèn sân khấu. Ngay cả những khoảnh khắc của cô ấy với David Strathairn , gương mặt quen thuộc duy nhất trong dàn diễn viên, cũng có một chất lượng sống yên tĩnh, chắc chắn, khác xa với tư cách người nổi tiếng của họ. Chúng tôi mong đợi họ sẽ làm cho chúng tôi cảm nhận được nhân vật của họ; điều ngạc nhiên lớn hơn là chúng ta trở nên gắn bó với mọi người như thế nào.

“Nomadland” tạo ra sự đồng cảm, người sáng lập yêu quý của chúng tôi, Roger Ebert , tin rằng phim có thể tạo ra cho người xem. Nó chứa đầy những con người, những câu chuyện và những màn trình diễn thu hút và yêu cầu sự hiểu biết của chúng ta, mở rộng trái tim của chúng ta như những “cỗ máy đồng cảm” tốt nhất vẫn làm. ( Odie Henderson )


1. "Small Axe: Lovers Rock"

Thật khó tin rằng nhà làm phim người Anh Steve McQueen đã cho chúng ta không phải một, không phải hai, không phải ba… mà là năm bộ phim mới trong năm nay qua tuyển tập “Chiếc rìu nhỏ” rực rỡ của anh ấy. Bằng cách nào đó được thiết kế để đi thẳng vào phát trực tuyến (ngay cả trong một thế giới giả định không có COVID) mặc dù chúng phù hợp rõ ràng với các rạp chiếu phim lớn, bộ ngũ phim có trụ sở tại London kéo dài hàng thập kỷ này đều kể những câu chuyện sôi nổi về cộng đồng Tây Ấn của thành phố. Điều tốt nhất đã làm như vậy với sự lạc quan hưng phấn của nó.

Bề ngoài, “Lovers Rock” chỉ đơn giản là về một bữa tiệc tại gia vào khoảng những năm 1980, một khái niệm hoài cổ trong thực tại do đại dịch ngày nay quy định, nơi tất cả chúng ta đều vô cùng nhớ loại kết nối con người thoáng qua nhưng đáng nhớ mà những người bạn thân đã từng tạo dựng. Nhưng sự ngẫu nhiên đúng lúc trong bối cảnh buồn bã của McQueen — với sự ấm cúng và phóng khoáng được nhà quay phim Shabier Kirchner ghi lại một cách chóng mặt — không phải là điều duy nhất buộc tội “Lovers Rock”. Cũng có một mục đích không thể phủ nhận trong tác phẩm chính trị tinh vi của McQueen là tôn vinh một nền văn hóa có tính đặc thù. Trong vai những người lạ háo hức, ăn mặc hở hang, say sưa kiểm tra sơ qua những rắc rối của họ và những bất công về chủng tộc của thời đại trước cửa nhà, nhảy theo và hát theo những giai điệu reggae lãng mạn mà một DJ quay, McQueen khám phá ra cảm giác thân thuộc, một liều thuốc tự do hài hòa thông qua sự đoàn kết của họ .

Trang phục rực rỡ để phản ánh quá trình chuyển đổi từ những năm 70 rực rỡ sang những năm 80 táo bạo và với cảnh đáng nhớ nhất của năm trong bất kỳ bộ phim nào — kèm theo đĩa đơn say sưa của Janet Kay “Silly Games” - “Lovers Rock” tiếp cận một cái gì đó toàn bộ và gợi cảm, thậm chí là tâm linh, với từng bước gợi cảm của nó. ( Tomris Laffly )

Gọi điện: 0972.880.555
SMS: 0972.880.555 Chat Zalo Chat Messenger